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23 de noviembre de 2010

Puntos de vista. Cine realizado por mujeres 1a entrega: Paula Hernández

Porqué escribir sobre el cine hecho por mujeres, pensamos en Ramdom Films. ¿No sería mejor hablar de cine hecho por cineastas (sea del género que sean)? Nos respondimos que sí, que claro, que no está bien diferenciar.

Sin embargo, al momento reflexionamos: Porqué hay una sección de cine de mujer en el Festival de Mar del Plata; porqué otros festivales también la tienen; porqué si somos “todos iguales” hay encuentros de cine de mujeres. La respuesta que no somos (menos mal) todos iguales.

Y enseguida recordamos que si hay un concurso, el 80 % de las películas presentadas son realizadas por hombres. Además, si en ese mismo concurso hay 5 secciones y una es de cine de mujer, lo más posible es que de los 5 ganadores las directoras sólo ganen el de su sección.

Entonces, sí es necesario hablar del cine hecho por mujeres. Porque pensamos que lo valioso no es ser todos iguales sino revelar y valorar las diferencias, por que ahí está la riqueza.

De esta manera, les presentaremos algunos films que nos parecen interesantes, no por ser realizados por directoras sino por la mirada que tienen, en las cuales es indudable la presencia de una visión femenina.

No pondremos películas en este post porque creemos más valioso tenerlas y pensarlas.

 Paula Hernández

“Herencia” de Paula Hernández es una película que muchas veces pasa desapercibida entre tantos films argentinos. Sin embargo, esta ópera prima está llamada a ser uno de los puntos más auténticos del cine que explota la veta costumbrista de nuestro país. Y esto realizado sin caer en la extrema melancolía ni en el melodrama reconcentrado sino con una sensibilidad particular que hace que le pongamos atención.

Paula Hernández nos cuenta una historia como hay miles pero se encarga de decirlo de tal manera que nos parece única, con unos personajes tan cuidados que al final de la película nos queda esa sensación de cariño y empatía con ellos; algo que logran sólo las películas bien hechas.

Una mujer de 60 dueña del restaurante que añora el pueblo europeo que dejó cuando era pequeña y un enamorado que no dejará de luchar por ella buscando una nueva oportunidad; un inmigrante alemán en buenos Aires en busca de un amor perdido que no encontrará; las almas que animan el barrio y bar restaurante que en alguna vez fue exitoso y que ahora esta en plena caída son los caracteres y espacios que dan vida a esta película.

Las historias se va tejiendo y nos cobija en esta historia llena de cultura de barrio, añoranzas y melancolía pero también de esperanzas y apuestas al futuro; y la particular mirada de Paula Hernández envuelve el conjunto con una calidez extraordinaria que brilla en una época en la que las películas estrenadas era las del llamado nuevo cine argentino, con estructuras no tradicionales. En medio de esa nueva forma, Paula Hernández nos regala Herencia, con una estructura tradicional- casi a contramano de lo que se filmaba en aquellos años- pero igualmente valiosa. 

Trailer

Herencia – Paula Hernández



Entrevista

12 de noviembre de 2010

Artecinema INCAA KM 3: derrotas culturales

No con sorpresa pero si con indignación nos enteramos en Ramdom Films que acaban de despedir a los responsables de la programamación del Artecinema Incaa KM 3 de Constitución.

En estas 3 pequeñas salas que tenía el complejo, en los últimos meses pudimos ver muchas películas que de otra forma nunca se hubiesen estrenado. Películas para todos los gustos, en distintos formatos, con distintas búsquedas y formas de producción- Películas independientes que no cuentan con subsidios ni privados ni del estado y que con la existencia de estas salas podían al menos recuperar algo de lo invertido participando en la repartija de la venta de entradas.

Esta gestión que sale había programado esas películas. Lamentablemente con la salida de ellos se suspende la programación que habían previsto. Otro lugar que era muy valioso para el cine independiente que zozobra. Otra construcción cultural más que es amenazada.

Las razones del despido no están del todo claras y aún no se explicitaron. Lo seguro es la perdida de un gran espacio para los productores de películas a pulmón.

Algunos datos más fueron publicados en el blog de @PabloMcFly. Acá les dejo el link.

http://cineconmcfly.com.ar/2010/11/no-mas-cine-independiente-en-el.html

Por otra parte, en el blog del Artecinema KM 3 (http://espacioincaakm3.blogspot.com) podrán enterarse un poco de todo lo que se estrenó en los meses que pasaron. Particularmente, allí se estrenó una película en la que trabajé y por eso también esta medida me es cercana.

La Vrutalidad 




Es de esperar que aunque no estén los programadores, la programación no cambie demasiado. Aunque desde aquí somos pesimistas respecto a eso cuestión, esperamos que los productores independientes y los espectadores trabajemos para que el espacio logrado no se pierda y en todo caso para generar otro. 

28 de septiembre de 2010

Grandes Cortos de Grandes- Cuarta Entrega

En una nueva entrega de Grandes cortos de grandes nos acercamos a grandes artistas no solo del cine sino de otras disciplinas

Así tenemos a Stanley Kubrick, Salvador Dalí, Bill Plymtom, Andy Warhol. Agregamos a Lars Von Trier porque sí, para hacer honor a lo Ramdom Films. Que disfruten.


Nocturno- Lars Von Trier




Day of the fight- Stanley Kubrick






Blow Job - Andy  Warhol




What Is Bonnaroo? - Bill Plymptom




Dalí y Gala nacen de un huevo - Salvador Dalí


24 de septiembre de 2010

La Sociedad del Espectáculo

En la actualidad, gran parte de las interacciones sociales son dadas a través de un dispositivo que podemos llamar "vouyeur". Pero sabemos que sin algo o alguien que se muestre no hay fisgón posible. 

¿Cuales son las consecuencias del reinado de esa transacción?

"Toda la vida de las sociedades en las que dominan las condiciones modernas de producción se presenta como una inmensa acumulación de espectáculos. Todo lo que era vivido directamente se aparta en una representación."

Así comienza la Sociedad del espectáculo. No nos vayamos en explicaciones: Ramdom Films les ofrece hoy libro y película de Guy Debord. 



22 de septiembre de 2010

I Love You Phillip Morris ¿Película sobre gays o película con gays?


En Estados Unidos aún no se ha estrenado I Love Phillipp Morris porque al parecer su temática gay es demasiado para aquel país (se postergó el estreno y se anuncia para diciembre de 2010) 

Películas sobre temas de homosexualidad hay muchas, sin embargo cuando hablamos de comedias bien hechas no tenemos tantas para contar. Ésta es una de ellas. Mucho se debe a las buenas actuaciones de Jim Carrey y Ewan McGregor. Pero también a una narrativa fresca, sin taras respecto a lo correcto o no correcto cuando de homosexualidad se habla. Una película que no trata el tema como un fenómeno sino como un dato más de la realidad. Tanto es así que en definitiva no es una película sobre el mundo gay: es una comedia sobre un personaje fabulador que, como en toda obra cómica, cae en la cuenta de que no es infalible y que mientras consigue lo que busca pierde lo que no sabe que tiene.

Reconozco que nunca me gustó Jim Carrey. Muy por el contrario, sus morisquetas me causan algo así como náuseas. Sin embargo, cada tanto se mete a trabajar en una película que hace que pensemos que tiene algo para mostrar. Por su parte, Mc. Gregor le saca brillo a un personaje que nos sorprende si lo comparamos con sus otras actuaciones. I Love you Phillips Morris nos muestra la historia de un farsante que hace todo lo posible para vivir como un rey sin serlo o más bien siendo el rey de la estafa. No reparará en desfalcos económicos ni en desengaños amorosos para lograrlo.

Esta película rescata la vida de Steven Jay Russell- quién cumple una enorme condena por fugarse en reiteradas oportunidades de cárceles en EE.UU. Y lo hace en forma de comedia negra con varios momentos muy logrados que sería quitarle el gusto al film contarlos aquí. Sí vale la pena rescatar que nada de los tics típicos del mundo gay están es esta película; y, si están, ya no son presentados de forma típica.

En ese conjunto no podemos dejar de decir que el montaje hace que la película sea entretenida y por momentos nos lleve hacia la sonrisa. Y ya no por las morisquetas de Jim Carrey sino por el mejor efecto que tiene la comedia: vernos o ver a quienes conocemos reflejados de alguna manera en la pantalla.

Gran paradoja que esta película -presentada en Sundance y Cannes- sea considerada demasiado gay para estrenarse en Estados Unidos cuando aquí pensamos que no es una película sobre gays: será que es más fácil controlar, atrapar y hasta entender a los otros estigmatizándolos como lo distinto o anormal y no aceptándolos como un elemento más de la vida.


Para guardar ente La Jaula de las Locas (versión francesa) y El Don Juan de Moliere.

16 de septiembre de 2010

Grandes Cortos de Grandes- Segunda Entrega

Esta vez viajamos hacia la península ibérica para traer 5 cortos de 5 directores de aquellas tierras. Tenemos de todo clase. El primero de Alex de la Iglesia pero tambien uno nuevo de Jaume Balgueró- este con la característica de estar realizado por el y más de 6000 colaboradores-. También uno de Bigas Luna;  el antecedente de Tesis, Amenabar y uno de Isaki Lacuesta. A continuación,  la segunda entrega de Grandes Cortos de Grandes.

Himenóptero- Alejandro Amenabar





2012- Isaki Lacuesta










Mirindas Asesinas- Alex de la Iglesia








Miedo-Jaume Balaguero





Collar de moscas-Bigas Luna





13 de septiembre de 2010

Grandes Cortos de Grandes

Muchas veces se dice que la mano de un director de cine se va moldeando en su aprendizaje a través de los cortos que realiza en sus inicios. Pero al mismo tiempo, pocas veces tenemos la chance de verlos. Si bien la concepción de un cortometraje es muy distinta a la de un largo; en los primeros podemos identificar los tics, las obsesiones y preferencias de un director.

En ocasiones, el corto es la entrada al mundo de la dirección. David Lynch logró el dinero para Eraserhead vendiendo un corto que había creado para una expocisión de artes visuales. Scorcese recibe- como premio a un corto-10 latas de fílmico que serían el comienzo de su primer largo.

Por otra parte, también cineastas hechos y derechos se juegan a los cortos potenciando sus fijaciones. 

Haciendo una traspolación, estos directores logran lo que Jorge Luis Borges no logró -él mismo aceptaba esa imposibilidad: pasar del corto al largo - o viceversa- con dignidad. 

Por lo anterior y para apreciarlos de manera conjunta, en Ramdom Films les traemos esta sección que irá actualizándose periódicamente. Para hoy les tenemos un cocktail oscuro, surrealista, preciosista y filoso que contiene firmas de David Lych, Tim Burton, Martin Scorcese, Lucrecia Martel y Victor Erice.

Alphabet- David Lynch



Vincent- Tim Burton



The Big Shave- Martin Scorcese




Línea de Vida- Víctor Erice




Rey Muerto- Lucrecia Martel

9 de septiembre de 2010

El hombre de al lado

En 1973 Osvaldo Lamborghini publicaba un cuento-vómito que aún hoy produce repulsión. "El niño proletario" nos contaba el martirio de un niño pobre que sufría las vejaciones de 3 chicos de clase alta. Esa fascinación que las clases más encumbradas encuentran en las más bajas se despliega en el cuento de manera feroz; esa forma de hurgar, de meter el dedo en la llaga que da cuenta de un desprecio a la vez que de una inocultable curiosidad sobre las clases subalternas. En 2010 algunas cosas han cambiado mas no esa fascinacón.

Gastón Duprat y Mariano Cohn acaban de estrenar “El hombre de al lado”. En la película nos cuentan el choque entre dos vecinos: uno de clase acomodada; el otro, de clase popular. Leonardo (personificado por Rafael Spregelburd), un arquitecto especializado en diseño con renombre en el mundo, se muda a la ciudad de La Plata a vivir en la única casa que Le Corbusier diseñó en América. Su vida trasncurre entre netbooks, conversaciones en alemán y una relación en agonía con su mujer. Hasta que un día su vecino Victor(interpretado por un Aráoz que saca lo mejor de sí) decide abrir un hueco para construir una ventana justo enfrente de un ventanal de la casa de Leonardo. El conflicto se hace presente y se desplegará en toda la película.

A partir de allí, los directores nos llevan por el río del humor negro, por los brazos sinuosos de la comedia sutil, con una construcción de personajes cuidada y una puesta impecable que nos hace afirmar que lo que demostraron en su anterior película “El artista” no fue casualidad sino que tiene continuidad en “El hombre de al lado”: un film ineludible.

Lo cuidado del sonido, el especial tratamiento del audio estéreo (una escena en la que Leonardo se tapa y destapa alternativamente los oídos nos hace recordar también a “El artista”) y la música de Sergio Pángaro, se agregan a una puesta de cámaras que hace reverberar el espacio frío, estático de los decorados. 

Por otro lugar, la puesta en escena y la fotografía están casi milimetradas. Duprat y Cohn nos tienen acostumbrados a mirar sus planos como obras de arte y en este caso no desentonan; si en "El artista" veíamos primordialmente la influencia de la pintura; en "El hombre de al lado" reina la arquitectura.

A medida que el conflicto por la ventana se desarrolla veremos como el choque de los mundos de clase alta y clase popular se hace evidente así como también la fascinación que Víctor (un vecino mal hablado, con vozarrón y muy práctico) provoca en Leonardo, quien comienza a sentir que su realidad es mucho más triste y gris de lo que imaginaba. A través de los días Leonardo verá cómo muchos conceptos que estructuran su vida se diluyen o se vuelven borrosos. Finalmente, esa fascinación que ahora es mutua y parece encaminarse a una amistad se resuelve mostrándonos crudamente la barrera entre las clases, la inevitabilidad que conlleva el origen; nos hace recordar a la fábula del escorpión y la rana, aunque en la película nada es natural si no más bien social y construído.

Si antes, “El niño proletario” nos provocaba rechazo y emoción; ahora “El hombre de al lado” nos deja vacíos y con sentimiento aciago. Osvaldo Lamborghini nos mostraba una clase alta cínica, sin vergüenza, convencida y sin culpa y por eso feroz; a través de esta comedia negra, Duprat y Cohn nos muestran una mutación de una clase alta intelectual convertida en hipócrita, con vergüenza, timorata y llena de culpas, pero feroz al fin.  


8 de septiembre de 2010

El señor de las crispetas: The expendables

Hoy les presentamos en Ramdom Films a un invitado. Cuentan en Cali, Colombia, que ha salido hace poco de rehabilitación por sobredosis de pochoclo. Viene de tierras calientes:  Sepan disculpar sus exabruptos. Y disfruten. Con ustedes, El Señor de las Crispetas y The Expendables.

The expendables por El Increíble Señor de las Crispetas


The expendables; o sea los fungibles/prescindibles, o sea los objetos gastables de suministro; es una película de acción. Una película con todos los juguetes: bala, pelea, pura metralla, bombas, tipos hechos muñeco por todas partes, etc. Para completar la imagen - queriéndoselas dar de retro- le mete un conflicto por allá en un país de Centroamérica, con el típico dictador mezcla de Fidel Castro y Hugo Chávez y medio loco. Ah! y además con una hija de dictador guerrillera. Y como siempre metidos en la sopa las empresas corruptas que ganan dinero acabando pueblitos y contaminando.

Con los ingredientes en la olla, los matones ya tienen listo para pintura el plan para salir a metrallear. Sylvester Stallone (Sly pa los de combo) hizo lo que se le dió la gana (y lo que el billete le dio) con su película, hace pasar el rato y uno pasa por encima las actuaciones ficticias, diálogos arrulladores y por ahi de vez en cuando se ve alguna línea irónica relacionada con los actores que la interpretan. Se hizo una película con gusto ochentero que por esa misma razón atrasa.

Uno no sabe de dónde salieron los matones, porqué camellan de esa forma, cómo consiguen los juguetes para el trabajo. No se sabe es nada de sus vidas: no importa porqué lo que se va a buscar es el poco de tiros, las explosiones, los pueblos arrasados, las peleas a cuchillo limpio.

Con un dejo, pero nada que ver, de las películas de artes marciales chinas uno puede ver en las escenas de pelea; con cortes sobre los golpes y una utilización de los planos que vuelve frenética cada ocasión en que los matones enfrentan al malo de la película.

Fuera de esto, una historia chiquita que medio se sostiene con la nostalgia de los fanáticos. Ver The expendables es como mirar un partido de futbolistas retirados. Uno sabe que esos jugadores están chonchos, fuera de estado, ya no llegan a los balones que antes sí; pero con todo y eso fueron ídolos.

Entonces, los hinchas de ese equipo que medio se sostiene en la cancha no creeran en Poncio de los felices que están por volverlos a ver. No más por eso los fanáticos del género disfrutaran con esta cinta.

Si le gusta la bala y el visaje digamos que 8/10 kilos de crispetas

Si no le gusta la acción pongamosle 4/10 kilos de crispetas

Y entonces nos da un 6/10 kilos de crispetas

Por ahi uno la pondría entre 2 VHS: una copia chiviada de Depredador y un original de Cobra comprado en una segunda de videoclub.


1 de septiembre de 2010

Especial: Cine y Periodismo

Durante estos últimos años, y con la sanción de la Nueva Ley y Radiodifusión y el conflicto de Papel Prensa, el periodismo argentino ha comenzado a entrar en una crisis. Algo que sucedió en otros países en distintas épocas ocurre hoy en Argentina: la palabra de la prensa comienza a ser tomada con pinzas, el concepto de verdad está en crisis, y sobre todas las cosas los periodistas por fin dieron lugar al debate sobre ellos mismo.
Pero estas cuestiones no son nuevas para el cine. Una de las consideradas obras maestras del cine- para muchos la mejor película de la historia- es Ciudadano Kane de Orson Welles. En este film se nos cuenta la historia de un empresario dueño de un multimedio y su particular manera de manejar le empresa periodística y la política. Clarísimo ejemplo de que muchas veces el cine “ve más allá” y no sólo es entretenimiento.

Las demás películas seleccionadas también se internan- cada una a su modo y encuadrada en su género- en los vericuetos del periodismo para hablarnos sobre la ética, los dilemas y las circunstancias de la profesión periodística. 

Entonces para hoy les dejamos un especial con algunas de las mejores películas en las que el periodismo es puesto como protagonista con su mística pero también con sus flaquezas y miserias.


The Front Page























Ver película


Citizen Kane




Territorio Comanche




Mentiras que matan



Mad City


Buenas noches, buena suerte



Verónica Guerin




Tinta Roja

25 de agosto de 2010

Vientos Limpios del Sur

Nos pasamos mucho tiempo hablando y escuchando sobre la industria del cine, sobre si el cine debe ser comercial o debe ser personal. Sobre presupuestos y subsidios. Hoy les quería dejar un documental que se escapa de todo lo anterior pero que es digno de ver por la historia que cuenta. En estos casos, dejamos el análisis sesudo y nos dedicamos a ver y sentir con las imágenes.

"Vientos Limpios" es la historia de una fundación- vientos Limpios del Sur- creada en la Villa 21 de Barracas, pero también es inseparable de la vida de Gustavo Benitez, su impulsor principal. No les explico más porque para eso están las imágenes.

Por último, no dejen de ver la película de reciente estreno La 21 Barracas. Es uno de los tantos exponentes del trabajo sobre video y cine que se hace en la Villa 21.


"Vientos Limpios"












Trailer de La 21 Barracas



23 de agosto de 2010

El derrotero del actual cine colombiano

Apropósito de la película colombiana “La sangre y la lluvia” y ante la falta de elementos para pensar un film por lo menos no muy feliz sin herirlo de muerte giré la dirección para dar una mirada al cine de Colombia.

Este año, varias producciones de aquel país han llegado a las salas argentinas tanto en festivales como en estrenos comerciales. La migración colombiana en la ciudad de Buenos Aires ha crecido de manera importante y muchos de esos migrantes recalan aquí para estudiar artes relacionadas con el cine. Eso hace que el cine de ese país comience a tener presencia. También en algunos casos detectamos la influencia argentina en el cine de Colombia.

Por otra parte, El cine colombiano, a partir de la creación de la Ley de Cine Nº 814 ha comenzado un incipiente crecimiento que aún no sabemos si terminará en el nacimiento de un nuevo cine o si es sólo un espasmo. 




El siguiente dato es digno de tener en cuenta para adentrarnos en el análisis: la historia del cine colombiano cuenta con sólo 326 películas desde su nacimiento en 1915 hasta el 2009. Eso hace un promedio de 3 películas anuales estrenadas. Por ejemplo, sólo durante los años de gobierno peronista en Argentina se estrenaron más de 400.

La historia del cine colombiano, luego de su período embrionario, fluctuó en 3 etapas, siempre ligada al Estado. En principio, el Estado otorgaba al cine préstamos en buenas condiciones; luego pasó a ser co-productor con la creación de FOCINE (compañía de fomento cinematográfico); y finalmente las producía completamente.

En su historia, FOCINE dio  apoyo a 31 películas. Sin embargo, la mayoría de ellas fueron producidas de manera directa por el organismo (período comprendido entre 1984 y 1990) dando cuenta de que el cine colombiano era, más que un arte o un negocio, un gasto del Estado o en el mejor de los casos un a política pública. Recordamos la emblemática “La estrategia del caracol” como ejemplo máximo de aquellos tiempos.

Así se llega, luego del desmantelamiento de FOCINE, a la nueva ley de cine dictada en 2003 que estableció una nueva forma de hacer cine en Colombia tomando de modelos las legislaciones de Argentina, Brasil y España. Así y luego de años de sequía, Colombia pudo estrenar películas en los últimos años a razón de 10 o 12 anualmente.


Pero ahora es otro el inconveniente. Así como Argentina -que vivió durante el menemismo en los 90 una época paupérrima para la producción de películas y luego a partir del 2000 pudo rehacerse a partir de una nueva forma de producción- Colombia pasó del problema de no producir al escollo de producir cine de calidad. Sin duda, mucho más difícil.

Ejemplos de esto nos da la recientemente estrenada en Buenos Aires "La sangre y la lluvia”-producida por RCN y con participación argentina- que por más que se esfuerza no llega a presentar una historia de manera decente, en un cúmulos que encierra lugares comunes, actuaciones sin cuidado y elementos que no conforman la unidad que tiene que ser una película. Por otro lado, otros dos ejemplos nos muestran que en algunos casos el cine colombiano si logra altas cotas de calidad como en la muy visual “Los viajes del viento” de Ciro Guerra y la muy buena “El vuelco del cangrejo”. Estas películas- hechas en coproducción entre productoras independientes y fundaciones- si logran mostrar una historia, con un trabajo de calidad en lo visual, en las actuaciones, en cada aspecto.



Esa parece ser la encrucijada actual del cine colombiano. Queda esperar por cual escenario se decidirá. Si un cine anquilosado y atascado o un cine novedoso que cuente historias ricas y que le otorgue una identidad.












13 de agosto de 2010

El debate fílmico vs. digital: la especificidad del cine



La aparición de las nuevas tecnologías siempre fue un tema de discusión entre quienes las reciben con brazos abiertos y quienes la ven como el nuevo anticristo. Sin ir más lejos, el cine fue uno de esos enviados del demonio también, destinado a corromper tanto a las sociedades como al arte.

Hace unos días, Marisa Urruti –vestuarista de películas como Garage Olimpo, Diarios de Motocicleta y la reciente Carancho- me pasó a través de Twitter una nota de John Bayley- director de fotografía de muchas películas de Hollywood- en la que ensaya sobre las diferencias entre el soporte fílmico y el digital.

A propósito de esa, se puede decir que es momento de pensar algunos puntos relacionados con ese debate:


-        Es mejor o peor el digital que el fílmico.
-        La posibilidad de que cualquiera haga su película es una apertura o un empobrecimiento del cine.
-        El ser del cine radica en un soporte específico o en otro aspecto.

En principio, el soporte no es mejor ni peor es si mismo sino con arreglo a determinados objetivos. Estos pueden ser: textura de la imagen buscada, intención de la puesta, guión de la historia, presupuesto, etc. Entonces, si queremos hacer Proyecto Blairwitch usaremos equipo adecuada a la imagen que buscamos; si queremos Avatar, lo mismo. O también, desde otro punto de vista, haremos Proyecto Blairwitch porque no tenemos más equipo que uno semi-pro.
Entonces, el soporte no es mejor ni peor sino que depende de la propuesta.

En cuanto a la posibilidad de que el advenimiento de lo digital (con la facilidad de apropiación que conlleva) redunde en una baja de la calidad del cine re revela al mínimo análisis como una falacia. La calidad del cine no se mide en relación con el equipamiento sino en relación con la idea que presenta y con la imagen que busca. Si fuera de otra forma, cualquier película de los 30 sería de peor calidad que una de los 80 y sin embargo no es así. Volvemos a lo anterior, la calidad y forma de la imagen dependerá también de la búsqueda que hagan director y técnicos.

Por otra parte, también se revela como falacia a medias la idea de que la tecnología digital democratiza el cine. De todos modos, para hacer cine a gran escala, los costos son altos y privativos para el común de la gente. Lo que si produce este cambio es que cualquiera puede hacer su película; esa si es la apertura. La entrada a las “grandes ligas” aún está vedada- eso sí, menos que antes- al común de la gente.

Por último, ¿que será el cine? ¿Un arte, una técnica, un negocio? ¿Una sucesión de  imágenes fijas  por una falla en el ser humano genera ilusión de movimiento?

El cine es todo eso junto. Y es algo unitario. Una idea que se estampa en imágenes que no se componen de partes sino que son un todo. Sin importar soporte, ni presupuesto, ni equipos se puede hacer buen cine. Porque buen cine fue el “Secreto de sus ojos” que se ganó el Oscar y fue hecha en digital y también hace buen cine Trapero con sus recursos; lo mismo que lo hizo Spielberg o George Lucas con todos los equipos disponibles.

El cine es una idea en imágenes, una intención, una pulsión. En fílmico o en digital podremos ver vibrar la fibra del director; siempre que sea un buen director. En digital habrá películas malas o buenas tanto como en fílmico.

Por su parte, el temor real sí puede aparecer en los grandes proveedores de equipo para fílmico. El negocio del cine no caerá por lo digital ni tampoco la calidad será peor; pero si podrá cambiar de manos si quienes hoy lo manejan no se aggiornan.

Como cuando el silente se transformo en sonoro y los actores aprendieron a hablar para cine o fueron expulsados de la pantalla grande; el digital nos pone ante esa disyuntiva. Las malas películas serán expulsadas análogamente. Si el digital- o el 3D- son sólo usados como fuegos de artificio también serán dejados en el olvido. Y el público también deberá aprender a elegir. Y los directores de fotografía deberán aprender a sacar el jugo y a mostrar lo que quieren tanto en digital como lo hacen en fílmico. 

Las disputas entre un soporte y otro son válidas en relación con estilos, preferencias o búsquedas. En lo que a cine respecta, bien vale un equipo, soporte u otro: lo importante es la coherencia interna que tiene la imagen. Lo importante es la idea plasmada.

11 de agosto de 2010

El Origen/Inception



Christopher Nolan nos había sorprendido gratamente con Memento. Una película de guión, épocas en que aparecerían Amores Perros, también 21 gramos o Los Otros. Películas en las que todo cerraba tan ajustado como una máquina de relojería. Pero pasaron muchos años (algo así como diez) y la maquinaria de guión lo encerró y en Inception no pudo salir. Como cuando se ajusta una tuerca demasiado y esta cede y se rompe, la película de Nolan se rompe al querer explicarnos y re-explicarnos cada paso que da en el guión- como si los espectadores no fueran lo demasiado inteligentes para captar sus genialidades.

Los lugares comunes como el trompo y las frases sentenciosas que luego desencadenarán el final, las eternas escenas de diálogo con profusión de primeros planos, una utilización dispareja de la música, todo atenta contra lo que podía ser una buena historia.

Se ha leído y escuchado muchas referencias a Citizen Kane, Borges, las teorías del lenguaje como virus de Borroughs pero ni éste último ni el argentino ni Welles alguna vez subestimaron a su público como sí lo hacen Nolan. Quedan inmensas esas referencias. Como si fuera suficiente poner un plano de dos espejos enfrentados para parecerce a Welles, o con sólo decir la palabra laberinto algunas veces se acerque a Borges o con sólo nombrar al principio el concepto de idea como virus asimilara a Borroughs.

Nolan nos presenta a un Di Caprio en piloto automático, a Ellen Page desaprovechada en un papel que mas bien está puesto para identificarlo con el espectador (todo el tiempo Ellen Page se entera de cosas con la boca abierta como si fuera un espectador más) Michael Caine aparece casi en un cameo y Watanabe podría haber sido más exprimido.

Por otra parte, Nolan siempre jugó, a través del guión y del montaje, a llevarnos a la psiquis del personaje (el ejemplo mayor es Memento) aquí también lo hace pero es tan previsible que terminó siendo algo aburrido.

Los efectos digitales también funcionaron como mero fuego de artificio para una película que más bien es una buena novela solo que-pequeño detalle- el cine es para ver y escuchar, no para leer.

10 de agosto de 2010

Especial de cine Erótico

Muchas veces se habló de la cuestión relacionada con el cine erótico y el porno. Más específicamente, sobre hasta dónde puede llegar el erotismo antes de convertirse en pornografía. Este especial trae tres películas que caminan por esas cornisas. Quedará en ustedes ver de que lado caen.
Intimidad
Dirección: Patrice Chéreau.
País:
 Francia.Año: 2000.Duración: 119 min.Interpretación: Joe Prospero (Luke), Marianne Faithfull, Kerry Fox, Mark Rylance, Timothy Spall.Guión: Patrice Chéreau, Hanif Kureishi y Anne-Louise Trividic.Producción: Patrick Cassavetti, Charles Gassot y Jacques Hinstin.Música: Éric Neveux.Fotografía: Eric Gautier.Montaje: François Gédigier.Diseño de producción: Hayden Griffin.Dirección artística: Jacqueline Abrahams.Vestuario: Caroline de Vivaise.















Short Bus


Dirección y guión: John Cameron Mitchell.
País:
 USA.Año: 2006.Duración: 102 min.Género: Drama.
Interpretación: Sook-Yin Lee (Sofia), Paul Dawson (James), Lindsay Beamish (Severin), PJ DeBoy (Jamie), Raphael Barker (Rob), Jay Brannan (Ceth), Peter Stickles (Caleb), Alan Mandell, Adam Hardman, Ray Rivas, Bitch, Shanti Carson, Justin Hagan, Jan Hilmer.Producción: Howard Gertler, Tim Perell y John Cameron Mitchell.Música: Yo La Tengo y Scott Matthew.
Fotografía:
 Frank G. DeMarco.Montaje: Brian A. Hates.Diseño de producción: Jody Asnes.Vestuario: Bart Mueller y Hurt Swanson.


























El sabor de la Sandía














Dirección y guión: Tsai Ming-liang.
Países: Taiwán y Francia.Año: 2005.Duración: 114 min.Género: Comedia, erótica, musical.
Interpretación: Chen Shiang-chyi (Shiang-chyi), Lee Kang-sheng (Hsiao-kang), Lu Yi-ching, Yang Kuei-mei, Sumomo Yozakura, Hsiao Huan-wen, Lin Hiu-xun, Jao Kuo-xuan, Hung Shu-mei, David Yang, Wu Huan-wen.Producción: Vincent Wang y Bruno Pesery.Fotografía: Liao Pen-jung.Montaje: Chen Sheng-chang.Dirección artística: Yip Kam-tim.Vestuario: Sun Hui-mey.