Assholes

Assholes, a word that means the lack of maturity , a word that appears in the mouth of someone who has been or believe you have passed that stage . Assholes, Raúl Perrone film takes us for a ride on wheels in the world of fools , spin is sometimes light but others ghost train becomes .
Pendejos is a silent film. No voices are heard , which does not mean that nothing is said. These voices - shown - through intertitles develop intimate stories , even absurd and banal for who we are not assholes . Maybe that is the first obstacle that presents the film, how to think about the lives of these guys but from ours.
Perrone proposes a way to understand , then the close-ups are long , performing and allow time for us to use far more than the sense of sight and hearing. Open the door to an effect of 3 steps : the mere contemplation of the plane , then the contemplation of detail and the third step is the inward contemplation . Many will say that the plans are too long but it is doubtful that the same effect is achieved if not give us the time to achieve something difficult : to reflect , not out , but from within.
Similarly , long walks and rides skate show a prowl a wander in a circle, without beginning or end , a circle is perhaps the metaphor of a youth who can not, and does not want to let her feel the arrow future that has as value the idea of ​​progress , because little or nothing beside progresses. An absurd world in our eyes . Perhaps a world that we want to look at something because we are responsible .


II
The sound design of this film is a work of mixture resembles a mix of electronic music. A musical language in which amorphous appearance cumbia, reggae and electronic interlock. Brushstrokes music melodrama appear at certain times a leitmotiv that occurs when the assholes become aware of the crisis in which they are. But this awareness is partial because then starts again mixing sounds where everything becomes circular charges a different sense.
In this direction , as a side game , voice ( intertitles ) parents charged that melodramatic, seriously, that 's normal for us to quickly breaks the isolation tone. "You have to be responsible ", " you want to be an idiot all your life ", " first study and then have time to do what you want to do " phrases that function as a trademark law and rules of a game as the idiots do not understand because I do not play . So " no " voice .
The certainty that studying a future, you have to be responsible , that you can not fool all life is achieved : all certainties fell at least the previous certainties. All other universe of meaning involves the kids and nothing can or might want to do to communicate . However, the adult world, which is supposed mature or nothing can be done to bridge the communication gap .
III


Perrone select show the boys as martyrs , some martyrs of this era. Boys dying , kill , kill , kill . But none of their sacrifices is in revolution. In Dreyer 's Joan of Arc , Joan says that death is the ultimate form of revolution : these assholes die, but can not even choose . Police shootings , accidents, excesses. Unrewarded sacrifices . The square was empty, it gets dark , the last idiot is going with his skate. Sunrise and appear other , newer, more fodder for the circle never ends , and we do not know how it was the beginning.
A fool plays his guitar in his room stripped . It is pulling in Creole Stairway to Heaven , an epic song of other times. And that epic fades to give a metaphor : the assholes die , step by step up the ladder to heaven and few care .
The space of contemplation proposed Perrone reminds us manage Apictchapong Weresaekatul Filipino . We have time , let us get lost in the images, we walk and look inside . Then I thought maybe uncomfortable is not only the duration of the plane if the abyss that forces us to peek .
Reminiscent of Gus Van Sant , Jim Jarmusch. Yes, of course . But since when does Perrone movies ? Long time. We might say that those directors are reminiscent of the work of Perrone : justice or more speakers can say the same. How else show the prowl , the senseless race without a goal if not with these resources. Certainly you can choose other , but that each director 's election .

References to Dreyer, not only in the close-ups of assholes as martyrs and adults as "bad" but in the shadows, reminding Vampyr and the splitting of the shadow as a metaphor for duality and ghost. The assholes are ghosts, their shadows multiply, cross, and acquire identity separate from their bodies . All images are ghostly .
What else Antonioni and Blow up, a way to show the senselessness appears . The stupid fight over something they do not want , get it and then discarded , because it is not what it complies , because he knows that is what makes up .
However, beyond the quotes, the film manages to amalgamate these hints is to get away from mere homage and put them on the basis of a new discourse .

IV
Pendejos is a long movie , in a world ( as it was before in music) in which films should last hour and a half . And it's not a film for all audiences. While no film is. The old dichotomy between taste and quality. What we can not say is that Pendejos is not a valid and necessary look.

End table , a hallway in black and white that changes textures and slowly spectra appear . "Here are the ghosts of those who died being skinny " says an asshole in the square and march down the aisle the shadows , always incomprehensible lives and our eyes not assholes , but finally complex lives. And a final thought , one tinge of sadness , a need for redemption for those assholes neither good nor bad . And also a warning for us that sometimes we do little to understand .

Pendejos

I

Pendejos, una palabra que designa la falta de madurez, una palabra que aparece en boca de alguien que ha pasado o cree que ha pasado esa etapa. Pendejos, la película de Raúl Perrone, nos lleva a dar una vuelta sobre ruedas por el mundo de los pendejos, vuelta que a veces es luminosa pero otras se se transforma tren fantasma.

Pendejos es una película silente. No se escuchan voces, lo que no indica que no se diga nada. Esas voces, -mostradas a través de intertítulos- desarrollan historias íntimas, hasta absurdas y banales para quienes no somos pendejos. Quizá ese es el primer escollo que nos presenta la película, cómo hacer para pensar las vidas de estos chicos pero desde la nuestra.

Perrone nos propone una forma de entenderlas; entonces los primeros planos se hacen largos, morosos y dan tiempo  a que usemos bastante más que el sentido de la vista y del oído. Abre la puerta a un efecto de 3 pasos: la mera contemplación del plano, luego la contemplación del detalle y el tercer paso es la contemplación hacia dentro. Muchos dirán que los planos son demasiado largos pero se puede dudar de que se lograra el mismo efecto si no nos diera el tiempo para lograr lo más difícil: reflexionar, no hacia fuera, si no desde dentro.

En el mismo sentido, largas caminatas y viajes en skate nos muestran un vagabundeo, un vagar en círculo, sin principio ni fin, una circunferencia que quizá es la metáfora de una juventud que no puede, no la dejan y no quiere sentirse flecha hacia el futuro; que no tiene como valor la idea de progreso, porque nada o casi nada a su lado progresa. Un  mundo absurdo a nuestros ojos. Quizá un mundo que no queremos mirar porque en algo somos responsables.

II

El diseño de sonido de esta película es un trabajo de mezcla que se asemeja a un mix de música electrónica. Un lenguaje musical en apariencia amorfo en el que se entrelazan la cumbia, el reagge y la electrónica. Pinceladas de música de melodrama aparecen en determinados momentos, un leiv motiv que se presenta cuando los pendejos toman conciencia de la crisis en la que están. Pero esa conciencia es parcial porque enseguida comienza de nuevo  la mezcla de sonidos en donde todo vuelve a ser circular y cobra un sentido distinto.

En esa dirección, como un juego paralelo, la voz (los intertítulos) de los padres cobra ese tono melodramático, serio, más normal para nosotros que enseguida se rompe ante la incomunicación. “Tenés que ser responsable”, “querés ser un boludo toda tu vida”, “primero estudias y después tenés tiempo para hacer lo que querés hacer” frases que funcionan como marcas de una legalidad y como reglas de un juego que los pendejos no entienden, porque no lo juegan. Por eso "no tienen" voz.

La certeza de que estudiando se logra un futuro, de que hay que ser responsable, de que no se puede ser pendejo toda la vida: todas las certezas se cayeron, al menos las certezas anteriores. Todo otro universo de sentidos envuelve a los chicos y nada pueden ni quieren quizá hacer para comunicarlo. Sin embargo, el mundo adulto, el que se supone maduro, nada hace ni puede hacer para achicar la brecha de comunicación.

III

Perrone elige mostrar a los chicos como mártires, unos mártires de esta época. Los chicos mueren, los matan, se matan, matan. Pero nada de sus sacrificios redunda en revolución. En Juana de Arco de Dreyer, Juana dice que la muerte es la última forma de revolución: estos pendejos mueren, pero ni siquiera pueden elegirlo. Disparos policiales, accidentes, excesos. Sacrificios sin recompensa. La plaza se vacía, se hace de noche, el último pendejo se va con su skate. Amanece y aparecen otros, nuevos, más carne de cañón para que el círculo nunca termine, así como no conocemos como fue el principio.

Un pendejo toca su guitarra en su habitación despojada. Está sacando en la criolla Escalera al cielo, una épica canción de otros tiempos. Y esa épica se desdibuja para dar lugar a una metáfora: los pendejos se mueren; suben peldaño a peldaño la escalera al cielo y a pocos les importa.
El espacio de la contemplación que propone Perrone nos hace acordar del director filipino Apictchapong Weresaekatul. Nos da tiempo, deja que nos perdamos en las imágenes, que recorramos y que miremos dentro. Entonces pensamos que quizá lo incómodo no sólo es la duración del plano si no el abismo al que nos obliga a asomarnos.

Reminiscencias de Gus Van Sant, de Jim Jarmusch. Si, claro. Pero ¿desde cuándo hace películas Perrone? Desde hace mucho. Bien podríamos decir que aquellos directores tienen reminiscencias del trabajo de Perrone: o con más justicia podemos decir que hablan de lo mismo. De qué otra manera mostrar el vagabundeo, el sin sentido, la carrera sin una meta si no es con estos recursos. Seguramente se pueden elegir otros, pero eso es elección de cada director. 

Referencias a Dreyer, no sólo en los primeros planos de los pendejos como mártires y de los adultos como “malos” sino también en las sombras; recordando a Vampyr y el desdoblamiento de la sombra como metáfora de dualidad y de fantasma. Los pendejos son fantasmas, sus sombras se multiplican, se cruzan, y adquieren identidad separada de sus cuerpos. Todos son imágenes fantasmales.

Por otro lugar aparece Antonioni y Blow up, una forma de mostrar el sin sentido. El pendejo pelea por algo que no quiere, lo consigue y luego lo desecha; porque no es eso lo que lo conforma, porque no sabe que es lo que lo conforma. 
Sin embargo, y más allá de las citas, la película logra amalgamar es estos guiños para escaparse del mero homenaje y ponerlas en función de un nuevo discurso.

IV

Pendejos es una película larga, en un mundo (como antes fue en la música) en el que las películas deben durar hora y media. Y no es una película para todo público. Aunque ninguna película lo es. La vieja dicotomía entre gusto y calidad. Lo que no podemos decir es que Pendejos no es una mirada válida y necesaria.

Cuadro final, un pasillo en blanco y negro que cambia de texturas y poco a poco aparecen los espectros. "Acá siguen estando los fantasmas de los flacos que se murieron” dice un pendejo en la plaza y por el pasillo desfilan esas sombras, vidas así siempre incomprensibles a nuestros ojos de no pendejos, pero vidas complejas al fin. Y una reflexión final, un dejo de tristeza, una necesidad de redención para esos pendejos ni buenos ni malos. Y también un  llamado de atención para nosotros, que a veces poco hacemos para entenderlos.

Apichatpong Weerasethakul, que podía hacer películas como si fueran sueños

Creo recordar un texto de Christian Metz (y en este caso no importa si el recuerdo es real o no) en el que decía que el cine es algo así como un sueño controlado. Más allá de las coincidencias exactas entre esas dos materias, la película de Apichatpong Weerasethakul nos viene a confirmar algo de esos dichos. 

En esta película el pulso lo lleva la comtemplación. Pero no es una contemplación de imágenes frenéticas, a como a estética del videoclips nos tiene acostumbrados. Si bien posmoderna (fragmentada) contada con partes en la superficie inconexas, nos muestra una fragmentación morosa, remolona pero no lenta. Esta película es como una siesta de verano con sueño incluído. Porque en ella conviven sin sobresaltos la familia del Tío Boonmee, con el fantasma de su esposa, con su hijo que había desaparecido en la selva para volver convertido en hombre-mono (un hombre que se internó en la selva a contemplar animales y se mimetizó con ellos; quizá una inivtación a contemplar y mimetizarse con lo que vemos en pantalla) . El cine hecho tiempo.

El tío Boonmee tine esus riñones enfermos y sabe que sus días están contados. Entonces, como si fuera que podemos ver, sentir, evocar con él, pasamos por todas sus experiencias, sus vidas pasadas, sus temores pero también su trance de aceptar la muerte como algo inevitable. Para eso está Huay, el fantasma de su mujer quien le dice que los fantasmas no se apegan a lugares sino a personas" Y esta película es como uno de esos fantasmas; se nos apega, no quedamos indiferentes: ya sea que tengamos opinión negativa o positiva sobre ella. esta polémica es bienvenida en tiempos de cine masticado.

En su periplo, el Tío boonmee nos llevará de la mano por sus vidas pasadas pero sobre todo por el trance de la muerte, su propia muerte que también nos recuerda la nuestra, que en algún momento del futuro sobrevendrá. Y claro que el filipino no nos dice eso de manera directa. Aburrido sería si lo hiciera de esa forma. Los misterios de la vida no suelen ser tan directos.

Sin tomarse el trabajo de distinguir entre recuerdos, sueños, realidad o apariciones Apichatpong Weerasethakul son propone dejarnos llevar por las imágenes oníricas de la selva, de lo en apariencia absurdo. El contrato de lectura de esta película es claro: si el espectador busca narración lineal; principio, fin y moraleja; imagen frenética, mejor que vea las decenas de películas que hay en cartel: sin embargo, mal no vendría darle y darse una oportunidad a este cine. 

Los sueños son materia complicada. Un señor de apellido Freud nos lo explicó alguna vez. Cuando al despertar traducimos un sueño lo desfiguramos y las cosas nos parecen tan absurdas tamizadas por la conciencia que solemos olvidarlos, desecharlos. Hay quienes pensamos que es bueno volver a soñar, al menos un rato. Aunque el ruido de explosiones y persecusiones de autos de las salas de al lado nos saque vilmente de la ensoñación. 

Apichatpong Weerasethakul hace de su cine un sueño controlado pero ese control no es tiránico, su película fluye. Aparece de la misma manera que se va.  Lo valioso es tiempo transcurrido, la posibilidad de que en un plano se nos deje tiempo de perdernos en él, de pensar, de soñar.

Música de películas

El cantante de jazz. Primera película sonora 

La aparición del sonido en el cine fue uno de sus grandes hitos. Nada fue lo mismo luego de que las películas dejaron de ser silentes. Se crearon nuevas profesiones, los directores debían manejar un nuevo lenguaje, hasta exitosos actores cayeron en desgracia por no poder afrontar con su voz las exigencias de un cine con sonido.

En Ramdom Films quisimos homenajear esa parte de las películas que queda grabada en la mente muchas veces con igual o más intensidad que las propias imágenes. Que hubiera sido del Niño-Estrella sin Así habló Zaratustra, de Tchaikovsky. O como sería un  escape de Indiana Jones sin su leitmotiv. Y de Star Wars sin su fanfarria? O Blow up sin Herbie Hancock?

En esta sección repasaremos todas esas bandas de sonido que nos hicieron salir del cine tarareando una melodía o que nos hicieron mover el piecito sin darnos cuenta.

Scott Pilgrim Vs. The World OST

Una película desopilante, llena de espíritu adolescente, con estética de manga y de video games no podía tener otra banda sonora que la que eligieron para Scott Pilgrim. La banda que los chicos forman en la historia es la encargada de las canciones originales. Y ahí va el primer guiño a la cultura del video game: se llama Sex Bob-Omb, como un personaje de la saga de Mario Bros.

En las canciones de Scott Pilgrim se resume el clima de la película: depresión adolescente, más horas de playstation, más cultura manga japonesa, más canciones pop que coquetean con el punk. Mención especial para las apariciones estelares de Beck en “Ramona” y Los Rolling Stones en “Under my thumb”

La lista de temas se completa con la banda canadiense Metric, quienes tienen su Alter Ego en la película como The Clash at Demonhead, otro nombre inspirado en los juegos electrónicos. También están los Indie canadienses Broken Social Scene para “el himno de una chica de 17 años”

Imperdible el homenaje a los sonidos de video juegos de 8 bits como el famosos Family Game con que abre la película llamado “Threshold”

En definitiva, una por momentos fresca y por otros, oscura, banda de sonido que les encantará a quienes disfrutaron de la película. Pop culture en estado puro.

Basta de palabras que ya se oye escuchar a la baterista que dice "We are Sex Bob-Omb and we are here to make you think about death and get sad and stuff" …”

Por cierto, Beck es quien compuso las canciones de Sex Bob Omb

Lista de temas

1. Sex Bob-Omb – We Are Sex Bob-Omb 2:01
2. Plumtree – Scott Pilgrim 3:02
3. Frank Black – I Heard Ramona Sing 3:41
4. Beachwood Sparks – By Your Side 4:58
5. Black Lips – O Katrina 2:52
6. Crash And The Boys – I’m So Sad, So Very, Very, Sad 0:13
7. Crash And The Boys – We Hate You Please Die 0:58
8. Sex Bob-Omb – Garbage Truck 1:44
9. T-Rex – Teenage Dream 5:46
10. The Bluetones – Sleazy Bed Track 4:35
11. Blood Red Shoes – It’s Getting Boring By The Sea 2:55
12. Metric – Black Sheep 4:55
13. Sex Bob-Omb – Threshold 1:47
14. Broken Social Scene – Anthems For A Seventeen Year Old Girl 4:35
15. The Rolling Stones – Under My Thumb 3:42
16. Beck – Ramona (Acoustic Version) 1:01
17. Beck – Ramona 4:23
18. Sex Bob-Omb – Summertime 2:10
19. Brian LeBarton – Threshold (8 Bit) 1:50

Tocá la tapa del disco que en una de esas aparece en tu pc